Gli store di Apple e Google abbondano di app per accordare: abbiamo selezionato quelle da noi ritenute più interessanti per portarle alla vostra attenzione

L’accordatura è un’operazione fondamentale quando si suona uno strumento; ancor di più se si appartiene a un gruppo poiché se tutti gli strumenti non fossero identicamente accordati, verrebbe fuori un suoni inascoltabile. L’accordatura si può ottenere in diversi modi. Molto diffuso è servirsi di una nota di riferimento, questa può essere ottenuta da un altro strumento, una tastiera ad esempio perché siamo certi che non sarà scordata. Un altro metodo è quello dei diapason. 

Per fortuna la tecnologia ha fatto dei passi da gigante e così da anni sul mercato sono disponibili ottimi accordatori di vario tipo: elettronici, a clip, portatili, polifonici, a pedale e così via. Insomma, i modi per accordare la vostra chitarra oppure il vostro ukulele ma, perché no anche il basso, non mancano. 

Anzi, a dire il vero abbiamo dimenticato qualcosa. Un attimo fa abbiamo detto di come la tecnologia sia stata di grande aiuto, ma chi avrebbe mai detto che un giorno sarebbe stato possibile accordare uno strumento con lo smartphone? Avete capito bene, ci sono delle buone applicazioni che permettono di accordare l’ukulele o quello che suonate, in un attimo. Certo, è difficile pretendere la precisione massima ma il risultato finale è più che buono, senza contare che spesso si tratta di app gratuite.

Ecco alcune delle app più usate per accordare ukulele e strumenti a corda

Guitartune

Guitartune è una delle applicazioni più apprezzate dagli utenti: consente di accordare oltre alla chitarra e all’ukulele anche basso, violino, violoncello e banjo. Non si limita all’accordatura standard ma anche quelle in drop D, accordature aperte, abbassata di un semitono, accordatura per chitarra a sette corde e persino a dodici corde. Il suo utilizzo è molto semplice e contiene alcuni strumenti interessanti come il metronomo che permette di impostare qualsiasi tempo dando la possibilità di cambiare la velocità manualmente. 

Un gruppo di sei giochi permette di imparare gli accordi. Non è da tutti poi , mettere a disposizione quattro basi musicali con tablature. Uno dei vantaggi più interessanti, oltre quelli già citati come nel caso delle tante accordature possibili è la funzione che elimina o quantomeno limita tantissimo l’interferenza dei rumori di fondo. Questa app, nella sua versione Pro, è disponibile in abbonamento mensile.

Fender Tune

Fender Tune è l’app realizzata dal famoso produttore di chitarre, ma va bene anche per accordare l’ukulele. Mette a disposizione 26 accordature alternative. L’interfaccia è semplice da usare e anche la versione gratuita non contiene pubblicità. La modalità di accordatura può essere manuale, automatica, cromatica e personalizzata. 

Grazie alla modalità Auto-Tune l’app rileva la nota e guida l’utente verso l’intonazione perfetta. Nel caso dell’accordatura manuale, invece, si seleziona uno strumento e si tocca una corda della paletta interattiva. La modalità cromatica permette di accordare qualsiasi nota sulla scala. Quanto alle 26 accordature preimpostate citiamo quella standard, la drop D, la drop C e la Open G.

N-track

N-track è una app davvero ben fatta secondo noi. È possibile accordare qualsiasi strumento a corda. Il suo utilizzo non presenta difficoltà: si accosta lo smartphone alla chitarra e si suona la corda che viene immediatamente rilevata. L’algoritmo di riconoscimento audio funziona egregiamente e ciò è riscontrabile nella sensibilità e precisione dell’applicazione. Con l’analizzatore di spettro si visualizzano le note in riproduzione; una freccia mette in evidenza la frequenza della nota suonata.  

Per i più tradizionalisti si può scegliere un accordatore vecchio stampo con la lancetta che rileva con grande precisione la frequenza. C’è persino il diapason per l’accordatura manuale, corda per corda, servendosi di una sola nota di riferimento. L’accordatore può essere calibrato per accordature non standard. Ottima la versione gratuita, chi non si accontenta può comprare quella Pro.

Tunerfor Ukulele

Tunerfor Ukulele si rivolge soprattutto a quanti hanno da poco iniziato a suonare questo strumento. L’app offre più di un tipo di accordatura oltre quella standard ed è disponibile sia in versione gratuita che Pro a pagamento. L’applicazione è molto semplice da usare con gli ukulele più venduti; non presenta difficoltà fin dalla prima volta che si scarica e la si prova. Graficamente è ben curata ed è abbastanza precisa.

Certo, probabilmente è poco versatile in quanto non offre la possibilità di accordare altri strumenti ma se l’unico che suonate è l’ukulele (controllare qui la lista delle migliori offerte), non è un problema che possa riguardarvi.

CoachTuner

Altra app disponibile anche in versione gratuita che ha raccolto parecchi consensi positivi da chi l’ha scaricata e usata. È un accordatore cromatico utile tanto per la chitarra quanto per altri strumenti come il basso o l’ukulele. La grafica è ben fatta e la precisione è buona.

Nella versione a pagamento si possono usare fino a 80 tipi di accordature. L’abbonamento può essere sottoscritto settimanalmente oppure mensilmente. Precisiamo che è abbastanza caro: un mese costa 40 dollari e chi si accontenterà della versione gratuita, oltre a una serie di funzioni non accessibili dovrà fare i conti con una pubblicità abbastanza invasiva.

Mettere le mani su questo strumento è difficile ma non impossibile; basta l’impegno ed essere motivati dalla passione per raggiungere livelli altissimi ma, ricordate, la prima regola è divertirsi.

La chitarra è uno strumento complicato, le sue potenzialità vanno ben oltre il classico giro di DO che tutti imparano. Il percorso per imparare a suonarla è lungo, tortuoso, non primo di difficoltà ma non stiamo parlando di un’impresa impossibile. Molto dipende, poi, dagli obiettivi che uno si pone perché la chitarra può essere suonata a più livelli dal più basso, che possiamo definire quello dello strimpellatore, al più alto che è quello dei virtuosi. 

Ma in tutto questo sapete qual è l’unica cosa davvero importante? È divertirsi. Se quello che fate vi fa star bene, allora è la cosa giusta. Se la vostra passione vi spinge a suonare seriamente lo strumento, magari andando al conservatorio, è la cosa giusta.

Chitarra classica a chi?

Avete deciso di voler imparare a suonare la chitarra, perfetto. Allora bisogna innanzitutto comprarne uno. Qui si pone il primo dilemma. L’amico di vostro padre, che nella vita fa tutto meno che suonare la chitarra, l’ha convinto che per forza di cose dovete comprarne una classica se volete imparare. Non dategli ascolto, la chitarra classica è solo una delle possibili opzioni, potete anche comprare una delle chitarre elettriche vendute online o perché no, una acustica o elettroacustica. 

Il tipo di chitarra va scelto tenendo conto dei vostri gusti musicali. Attenzione perché non stiamo mettendo in dubbio la validità di una formazione classica ma questa diventa un obbligo solo se volete studiare con estrema serietà e dedizione lo strumento indipendentemente dalle vostre preferenze musicali allo scopo di essere un chitarrista completo. È nostra opinione è che se ad esempio vi siete innamorati della chitarra elettrica è giusto che impariate a suonare quella anche perché se non sufficientemente motivati, iniziare con la classica potrebbe smorzare il vostro entusiasmo e annoiarvi con la conseguenza di abbandonare tutto. 

Individuato il tipo di chitarra, è probabile che ci sia un budget dentro il quale restare. Ma affrontiamo un attimo un caso particolare, quello del ragazzino che vuole la chitarra ma senza per questo volerla studiare, almeno non subito. In questo caso conviene stanziare un budget piccolo, diciamo 100 o 150 euro. A queste cifre si possono prendere chitarra e amplificatore se, se ne vuole una elettrica, chiaramente la qualità sarà piuttosto bassa, oppure una chitarra classica o acustica decente per lo scopo. 

Se invece il ragazzino vuole studiare la chitarra, allora l’investimento deve essere maggiore. Bisogna consegnare nelle sue mani una chitarra con buone meccaniche innanzitutto, un manico scorrevole e una buona action, tutte cose che aiutano a rendere meno complicato esercitarsi seriamente.

Trovate un buon maestro

Per imparare seriamente lo strumento l’aiuto di un maestro, possibilmente bravo, è fondamentale. Avere una persona che spieghi come eseguire gli esercizi e vi osservi mentre li fate eventualmente correggendo i vostri errori, è un grande aiuto. Inoltre un maestro può aiutarvi a comprendere meglio la teoria musicale. Non solo, un maestro può consigliarvi sullo strumento, anzi, su tutta la strumentazione e spronarvi a fare meglio.

Imparare da soli si può

Nel paragrafo precedente abbiamo sottolineato come sia importante essere seguiti da un maestro; tuttavia possono esserci una serie di ragioni che rendano la cosa impossibile, vuoi per i costi da sostenere, vuoi per la difficoltà a trovarne uno non troppo lontano da casa. Non avere un maestro non preclude la possibilità di imparare a suonare la chitarra. In commercio ci sono tantissimi metodi per autodidatti.

La scelta del metodo va fatta con un certo criterio. Per intenderci, il principiante deve scegliere un metodo appositamente pensato per la sua preparazione che è zero o quasi. Dunque gli esercizi, a difficoltà crescente, devono essere abbastanza semplici e in grado di accompagnare lo studente passo dopo passo. Tutto deve essere spiegato in modo chiaro ed è meglio avere un supporto audio, insomma, un bel DVD in allegato non guasta. Completato il metodo potete scegliere di fermarvi lì oppure proseguire, migliorando con corsi di chitarra avanzati che presentano esercizi più difficili.

Le tecniche chitarristiche

Quante tecniche dovrebbe conoscere un chitarrista? Beh, uno musicista se vuole essere completo dovrebbe conoscerne il più possibile ed essere in grado di metterle al servizio della sua musica. Tuttavia è possibile specializzarsi su quelle funzionali al genere musicale che si preferisce suonare. In questa fase potete servirvi di metodi di chitarra dedicati a specifici generi, pensiamo alla chitarra blues, heavy metal, jazz e così via.

Fate con calma

Molti aspiranti chitarristi hanno il brutto vizio di avere fretta; commettono l’errore di preoccuparsi di svolgere l’esercizio velocemente invece che di eseguirlo bene. È importante essere precisi prima che veloci e per essere precisi bisogna andare piano fin quando non si acquisisce l’abilità che permette di eseguire l’esercizio in modo pulito e velocemente.

Altra cosa fondamentale, seguite gli esercizi nel loro ordine e non passate mai al seguente fin quando il precedente non lo avete eseguito a opera d’arte. Avere dei modelli di riferimento è importante, chi suona la chitarra ha dei chitarristi preferiti: osservandoli e ascoltandoli attentamente potete imparare tanto.

Quando si parla di chitarre non si può prescindere da un marchio che ha portato nel settore una vera e propria rivoluzione con la Telecaster prima e la Stratocaster poi.

L’importanza avuta da Fender nel mondo delle chitarre è nota a tutti; il marchio se la gioca alla pari con Gibson nella battaglia della produzione di chitarre elettriche (i migliori modelli) storiche. Sono tanti i chitarristi famosi che non si sono separati mai dalla loro Stratocaster, chitarra che più di altre Fender è entrata nella leggenda. Certo, il marchio sta passando un periodo non esattamente idilliaco, anche se nulla a che vedere con la crisi che ha investito il principale competitor Gibson. 

La situazione non è rosea ma riguarda tutti i fabbricanti di chitarra poiché il mercato è in stagnazione, non c’è il ricambio generazionale auspicato. Ma questi sono altri discorsi perché siamo qui per parlarvi di grandi chitarre.

Leo Fender

Protagonista della vicenda è Clarence Leonidas Fender, Leo per gli amici. Leo, nato il 10 agosto del 1909 ad Anaheim sapeva fare molte cose ma suonare la chitarra non era tra queste. Non che non avesse confidenza con la musica, anzi, si dice fosse un discreto sassofonista. Era interessato all’elettronica, anche se agli studi di ingegneria preferì le scienze economiche. Il titolo di studi gli permise di lavorare come contabile allo State of California Highway Department. 

Ma Leo sapeva anche riparare le radio, poi si interessò agli impianti di amplificazione. Da lì ad aprire il Fender Radio Service nel 1938 il passo fu breve. L’attività andava a gonfie vele, vendeva prodotti di elettronica di consumo ma anche dischi e spartiti musicali. Ben presto il Fender Radio Service divenne un luogo d’incontro per gli appassionati di musica della zona, i chitarristi gli portavano le loro chitarre per delle riparazioni, Fender ascoltava le loro esigenze imparò cosa un chitarrista voleva dal suo strumento.

L’incontro con Clayton Orr Kauffman

La svolta arriva quando Fender incontra Clayton Orr Kauffman, musicista e inventore. Dal loro sodalizio nacque la K&F Company nel 1945 che si dedicò alla produzione di chitarre Lap Steel e amplificatori; si trattava di una produzione in piccola quantità. L’esperienza durò circa tre anni poi i due si separarono, anche se rimasero grandi amici fino all’ultimo.

Il lancio della Telecaster

L’esperienza con Kauffman aveva permesso a Fender di acquisire maggiore esperienza, imparare nuove cose ma anche di diventare una sorta di visionario. L’idea era di realizzare una solid body. Il primo passo fu di fondare una nuova compagnia, la Fender Musical Instruments. Nel 1950 arrivò sul mercato la Esquire. C’era un problema, quel nome era di proprietà della Gretsch che all’epoca era il maggior produttore del settore. 

Nell’attesa di trovare un altro nome, la chitarra fu ribattezzata Broadcaster come l’etichetta della paletta. In seguito la chitarra fu chiamata Telecaster. Ma cosa aveva di vincente la chitarra? Non era solo una questione di suono, l’estetica aveva giocato un ruolo fondamentale nel successo dello strumento e questo Fender lo aveva capito bene: le chitarre dovevano essere anche oggetto di design e colpire gli occhi oltre che le orecchie. 

La struttura della chitarra era semplice: manico e corpo erano uniti da viti, sistema che ha ridotto i costi di produzione; di conseguenza Fender, rispetto alla concorrenza poteva proporre buone chitarre ma a prezzi inferiori. La scelta del frassino per il corpo risolveva il problema del feedback quindi si poteva suonare a volumi più alti.

Fender Precision Bass

Nel 1951 Fender lancia il suo primo basso: il Precision Bass. Lo strumento si caratterizza per un timbro pieno e corposo e per la tastiera con 20 tasti Il basso, inoltre, rispetto al contrabbasso, era più leggero, meno ingombrante e dunque più maneggevole. Altra cosa importante, il basso di Fender era amplificabile. Nelle intenzioni di Fender, il basso poteva essere suonato anche dai chitarristi, ecco perché lo dotò dei tasti.

Ciò originò l’idea di chiamarlo Precision perché un manico del genere permetteva di prendere con precisione la nota anche da musicisti meno esperti. Da un punto di vista estetico, Fender si ispirò alla Telecaster. Il corpo era in frassino mentre manico e tastiera in acero. C’era un solo pick-up al centro. Nel 1957 Fender presentò una nuova versione del Precision ma questa volta il design era simile alla Stratocaster mentre il pick-up (single coil split) aveva due magneti separati che grazie alla polarità opposta generavano un suono ancor più corposo e caldo.

Stratocaster

Antagonista della Gibson Les Paul con la quale è in perenne lotta, è la Fender Stratocaster. Lo strumento è frutto della collaborazione di Leo Fender con Freddie Tavares, Rex Gallion e Bill Carson e fu completata nel 1954. Fender voleva una chitarra che introducesse novità sia tecniche sia di design. In particolare voleva una chitarra più ergonomica rispetto alla Telecaster. 

La forma era molto particolare: scavata sulla spalla e questo consentiva di raggiungere agevolmente le note più alte. Aveva la leva del vibrato integrata al corpo, il sustain era notevole e il ponte con stelette consentiva una regolazione accurata, i pick-up al manico e al centro erano perpendicolari alle corde mentre quello al ponte era angolato di 20° per enfatizzare i toni alti. L’unica vera modifica rispetto al primo modello ci fu nel 1977 quando il selettore a tre posizioni fu sostituito da uno a cinque grazie al quale si potevano utilizzare due pick-up in contemporanea.

Un calo qualitativo

Con il passaggio dell’azienda alla CBS nel gennaio del 1965 la qualità degli strumenti ebbe un calo: Molte modifiche furono apportate al solo scopo di velocizzare il processo di produzione. Anche i materiali non erano più gli stessi, in particolare il ponte era in metallo pressofuso di qualità inferiore rispetto al precedente e anche la scelta delle vernici in poliestere non aiutò.

Genio assoluto, violinista inarrivabile: su Paganini si è detto di tutto e di più, persino che avesse stretto un patto con il diavolo ma alla base della sua bravura potrebbe esserci una rara malattia.

Più di chiunque altri il violino si associa inevitabilmente a Niccolò Paganini, il più grande violinista di tutti i tempi. Il suo talento finì ben presto sulla bocca di tutti, i suoi Capricci sono celebri in tutto il mondo, divenne una sorta di rockstar che tutti volevano ascoltare suonare e sarebbe riuscito a tirare fuori della musica incredibile persino da un violino economico.

Un losco figuro

L’aspetto di Paganini, il suo stile, diciamo così, si avvicinava a quello del losco figuro. Il suo look non passava inosservato e probabilmente ha contribuito ad alimentare alcune dicerie sulle quali torneremo tra un attimo. Aveva i capelli lunghi, arruffati, qualche dente gli mancava e il naso era piuttosto pronunciato. Cupo, indossava solo abiti neri e portava sempre delle lenti blu che spiccavano sul magro viso pallido. Chissà se ci fosse un calcolo dietro il suo look, fatto sta che l’aurea di mistero che aveva intorno a sé contribuì ad accrescere la sua fama. 

Ma a differenza di tante presunte star moderne della musica, Paganini il talento ce l’aveva davvero. Era talmente bravo che sul suo conto iniziarono a circolare delle voci oltretutto avvalorate dal suo aspetto. La sua abilità era tale da spingersi oltre i limiti umani. Si diceva che il musicista avesse siglato un patto con Satana. Quando sopraggiunse la morte nel 1840, Il vescovo di Nizza vietò la sepoltura in terra consacrata, allora il corpo fu imbalsamato e sistemato nella cantina della casa, dove era deceduto. Solo nel 1853 ricevette degna sepoltura nel cimitero di Gaione prima e in quello della Villetta a Parma.

Una malattia rara il segreto di Paganini

Che Paganini non godesse di ottima salute è cosa nota aveva contratto la tubercolosi e la sifilide ma secondo le ricerche più recenti soffriva anche di una malattia che probabilmente fu il segreto della sua abilità tecnica. Secondo alcuni studiosi è molto probabile che Paganini soffrisse della sindrome di Marfan, una patologia autosomica dominante che interessa il tessuto cognitivo. 

Le manifestazioni della sindrome sono diverse ma tra quelle che riguardano i muscoli e lo scheletro, le persone colpite dalla sindrome denotano una maggiore altezza rispetto alla media, eccessivamente magri, dita lunghe e affusolate. Sembra essere l’identikit di Paganini che proprio grazie alle sue dita riusciva a correre velocemente sulla tastiera del suo violino, a compiere salti melodici di diverse ottave e alternare rapidamente note suonate con l’arco a pizzicate. Il grandioso violinista, dunque, era un disabile che seppe trarre un vantaggio dalla sua condizione, anche se pagato a caro, carissimo prezzo.

Paganini non ripete

“Io sono come Paganini, non concedo il bis”. “Paganini non ripete”. Quante volte avrete sentito dire queste frasi cult pensando che il violinista fosse un tipo altezzoso, snob, pieno di sé. Ma come spesso è accaduto con Paganini, si tratta di una diceria o quasi. In vero la famosa frase ebbe origine nel 1818. Era febbraio e in programma al Teatro Carignano di Torino c’era una esibizione di Paganini alla quale assistette Carlo Felice di Savoia. Il nobile mandò un suo emissario per chiedere al Maestro di ripetere un brano. La risposta del violinista fu netta: “Paganini non ripete”.  

Ci fu immediata ritorsione: a Paganini fu fatto divieto di suonare il terzo concerto in programma per l’affronto subito da Carlo Felice. Va detto che non si trattava di un affronto, semplicemente Paganini non era in grado di ripetere innanzitutto perché gran parte di ciò che suonava era frutto di improvvisazione, poi perché il suo modo frenetico, viscerale, di suonare gli causava lesioni ai polpastrelli.

Un uomo generoso

Probabilmente le sofferenze provate da Paganini hanno contribuito ad avvicinarlo alle persone meno agiate. A dispetto delle voci che giravano sul suo conto, in più occasioni ha sfoggiato la sua generosità (senza mai farne vanto, sia chiaro) aiutando i bisognosi e musicisti in difficoltà.

Non di rado i proventi dei suoi spettacoli venivano destinati ai poveri e agli ammalati delle città che ospitavano le sue esibizioni. Tutto ciò era in netto contrasto con un’altra diceria che circolava sul conto di Paganini, ossia, che era uno spilorcio.

L’importanza del figlio

Nella vita di ogni genitore i figli hanno una grande importanza ma Achille, così si chiamava il figlio del violinista diede un grande aiuto al genitore quando i suoi problemi di salute si aggravarono.

Quando perse l’uso della parola, il figlio fungeva da messaggero poiché era in grado di leggere dalle labbra del padre. Dopo la morte di Niccolò, Achille si attivò finché tutto il lavoro del padre non andasse perduto, riordinò le opere e tramandò ai nipoti l’affetto per il nonno.

Stradivari è il nome sulla bocca di tutti quando si parla di violini, ma la liuteria nostrana, e in particolare quella cremonese, ci ha regalato tanti altri maestri.

Ci sono liuterie e liutai entrate a far parte della storia e della cultura Italiana. Il nostro Paese, da secoli, vanta una tradizione senza uguali. I preziosi segreti sono stati tramandati di generazione in generazione, molto spesso da padre a figlio, anche se non sono mancati illustri allievi che come si suol dire, hanno imparato l’arte e l’hanno messa da parte per poi diventare essi stessi liutai di fama mondiale. In un tale contesto il centro del mondo non può che essere Cremona con la sua liuteria tradizionale, un’arte tipica dell’artigianato locale, riconosciuta anche dall’UNESCO, specializzata soprattutto nella costruzione di strumenti ad arco come violini, viole e violoncelli.

Andrea Amati e famiglia

Il mito della liuteria cremonese ha avuto inizio con Andrea Amati che iniziò a costruire violini nel 1520. Pur non essendoci precise fonti a riguardo, molti studiosi sono concordi nel ritenere che fosse lui l’inventore del violino. Tutto ciò che resta della sua opera si riduce a 16 strumenti musicali costruiti tra il 1564 e il 1574. Gli strumenti sono divisi tra il museo di Oxford (UK), il South Dakota Museum (USA), il comune di Cremona e due collezioni private. 

Andrea ha avuto due figli che hanno seguito le sue orme, Antonio nato nel 1540 e Girolamo nato nel 1550. Non è certo se i due fossero effettivamente fratelli oppure fratellastri poiché Andrea si era risposato. Anche sulla vita dei due fratelli si sa molto poco. Di certo c’è che il rapporto tra i due non fu sempre idilliaco tanto è vero che si separarono nel 1588 come testimoniano anche alcune etichette riportanti solo i nomi dell’uno e dell’altro. 

Morto Antonio nel 1607 Girolamo riprese a usare etichette con i nomi di entrambi, evidentemente fu una scelta di marketing. Dei dieci figli avuti da Girolamo, il terzogenito Nicolò seppe tenere in alto il nome degli Amati diventando uno dei liutai più famosi della storia. L’ultimo liutaio della famiglia Amati sarà Girolamo II, secondogenito nato dal matrimonio con Lucrezia Pagliari.

Guarneri

Un’altra famiglia celebre della liuteria cremonese è Guarneri. Di loro, in vero non si sa molto. Tra le poche cose note c’è che Andrea Guarneri si formò presso la bottega di Nicolò Amati dal 1641 fino al 1645 come apprendista ma è certo che collaborò con Amati fino al 1654. Imparò molto dal maestro ma non lo superò mai. Dei suoi due figli Pietro e Giuseppe, solo quest’ultimo seguì le orme del padre. Il ruolo di Giuseppe nella realizzazione del piccolo violoncello (costruito un decennio prima di quello di Stradivari), fu determinante. 

Un discorso analogo lo si può fare con la viola contralto e anche in questo caso giocò d’anticipo su Stradivari. Dopo la morte del padre, Giuseppe proseguì con l’attività perfezionando e modificando il suo stile. Ebbe tre figli, il terzultimo Bartolomeo Giuseppe, conosciuto anche come Guarneri del Gesù, che si prefisse di fondere lo stile Stradivari con quello della scuola bresciana. 

Lo strumento più noto di Guarneri del Gesù è il Cannone di Paganini che è custodito presso il Palazzo Municipale di Genova dal 4 luglio del 1851. Lo strumento fu donato alla Civica Amministrazione dal suo proprietario Achille Paganini, figlio del celebre Nicolò, dopo la sua morte come espresso nel testamento.

Antonio Stradivari

Quando si parla di violini (ecco la lista dei migliori prodotti) storici non si può evitare di parlare del maestro dei maestri Antonio Stradivari; naturalmente nato a Cremona, anno 1644. Apprese l’arte presso la bottega di Nicola Amati. Sposò Francesca Ferraboschi, rimasta vedova e incinta; una condizione cui bisognò far fronte con un matrimonio combinato. 

Paganini aprì la sua bottega a Piazza S. Domenico nel 1680 insieme ai figli Omobono e Francesco. Quattro anni dopo morì Nicola Amati così lo scettro di liutaio più importante di Cremona passò ad Antonio Stradivari. Nei primi del ‘700 stradivari costruì alcuni dei suoi strumenti più famosi come l’Hellier, il Toscano e la viola Medicea. Pur non essendoci la certezza assoluta, è plausibile ritenere che fi stradivari il primo a portare avanti gli studi sulla modifica dell’inclinazione del manico. 

Quando la musica cominciò a essere ascoltata nei teatri, dunque in ambienti più grandi rispetto a quelli sui si era abituati, si presentò la necessità di un suono più potente. Di qui l’idea di inclinare il manico all’indietro incastrando e incollando parte di esso all’interno dello zocchetto così da resistere alla tensione. Si presentò anche l’esigenza di allungare la catena e la tastiera così da accedere alle posizioni più alte. Per la tastiera, inoltre, fu usato l’ebano poiché più resistente. Fu così che nacque il violino moderno. 

L’attività di Stradivari è distinta in quattro periodo. Il primo va dal 1666 al 1680. Durante questa fase si nota l’influenza stilistica del maestro Nicolò Amati. I violini realizzati in quest’epoca hanno l’etichetta “Antonius Stradivarius Cremonensis alunnum Nicolò Amati”. I secondo periodo, detto “amatizzato” va dal 1680 al 1690. In questi anni i suoi violini rispecchiano tutte le caratteristiche degli strumenti creati dalla famiglia Amati, sono più rotondi e ampi rispetto a quelli del primo periodo. 

In questa fase Stradivari realizza i primi violoncelli in forma grande. Tale forma è detta “A”. Nel terzo periodo che va dal 1690 al 1700 è il decennio degli strumenti lunghi caratterizzati da un suono più cupo. Il primo ventennio del ‘700 è detto “periodo d’oro”. Gli strumenti realizzati durante questo periodo sono i più costosi e ricercati. Il quinto periodo la mano di Nicolò è quasi assente; è il figlio Francesco a fare il grosso del lavoro ma ciò coincide con un peggioramento qualitativo del livello di produzione.