Principale vantaggio

La riedizione in vinile di un disco leggendario che ha segnato la storia del rock. Il terzo lavoro in studio dei Led Zeppelin è un disco dalle due facce, quelle di una band ammaliata dalle sonorità rock più dure (per i tempi) e dal folk\blues di stampo statunitense. Questi due volti sono divisi sui lati del vinile, componendo nell’insieme l’album dei Led Zeppelin che più riassume l’essenza della band, sfociata in seguito in contenuti più vicini al progressive. Questi sono i Led Zeppelin più selvaggi, dove la chitarra di Jimmy Page e la voce di Plant creano un sound viscerale ed infiammato, mentre la sezione ritmica da torcicollo vi farà muovere la testa senza sosta. 

Principale svantaggio

Come già accennato, il lato A del disco è quello prettamente rock, mentre sul B si trovano brani folk\blues. Se non conoscete i Led Zeppelin, di conseguenza non sarete familiari con la loro anima più acustica, cosa che potrebbe spiazzarvi se cercate un disco rock dall’inizio alla fine. Ovviamente questo non è propriamente un difetto dell’opera, ma è bene chiarire che III è un lavoro diviso in due parti, del quale alcuni ascoltatori sono rimasti parzialmente delusi. 

Verdetto: 9.8/10

Caratterizzato da un dualismo affascinante, III dei Led Zeppelin è uno degli album che più hanno influenzato i gruppi rock, hard rock e metal a venire, sia per le composizioni di stampo prettamente rock, sia per quelle acustiche. In generale pensiamo sia un disco da avere e che non può mancare nella vostra collezione di vinili. Questa edizione Deluxe in particolare, presenta due LP e due CD rimasterizzati, contenuti in un cofanetto bellissimo da vedere che si adatta anche ad un regalo, sebbene il prezzo abbastanza alto non ci permette di dargli un punteggio pieno.  

DESCRIZIONE CARATTERISTICHE PRINCIPALI

Il disco ‘anima’ dei Led Zeppelin

Le band rock negli anni ‘70 erano solite condurre una carriera votata all’attività live, spesso componendo dischi tra un tour e l’altro. I Led Zeppelin abbracciavano questo stile di vita con grande entusiasmo, non a caso le prime tracce del loro terzo lavoro in studio furono abbozzate da Robert Plant e Jimmy Page, durante uno dei pochi periodi di pausa della band dai concerti. In quello stesso periodo, i Led Zeppelin partecipano al Festival di Bath, esibendosi in una performance memorabile che gli valse il riconoscimento in patria, così come negli Stati Uniti dove la band era già ampiamente conosciuta. Scesi dal palco, sempre quell’estate i Led Zeppelin si fiondarono in studio per registrare le tracce di III, tra le quali anche Immigrant Song già proposta nei vari concerti dal vivo.

Nonostante l’album adesso venga considerato un capolavoro, all’epoca venne stroncato dai critici che si aspettavano un ritorno in grande spolvero dell’hard rock presentato in Led Zeppelin II. Il lato B dedicato al folk e al blues acustico non convinse e la band, delusa dalle recensioni negative, decise di mettersi subito al lavoro per realizzare il quarto disco. 

Le tracce

Ma perché i critici dell’epoca furono così severi con questo disco? Si potrebbe dire che III rappresenti i due volti dei Led Zeppelin, una band di musicisti amanti della musica che si sono sempre destreggiati nei loro generi preferiti. Se II presenta un lato A carico di rock scatenato, sul lato B del vinile (dalla traccia 6 in poi sul CD) troviamo composizioni prettamente folk che sottolineano la passione per le sonorità più rilassate e atmosferiche del gruppo. 

Di certo brani come Immigrant Song e Celebration Day mettono subito le cose in chiaro: i Led Zeppelin sono i signori del blues distorto capace di far scatenare le masse. Si passa a Since I’ve Been Loving You, un lento blues composto dalle classiche dodici barre e in seguito alle rilassate Gallows Pole, Tangerine e That’s The Way. 

Al termine del disco troviamo l’ottimo brano Hats Off to (Roy) Harper, un blues tradizionale con la slide guitar in puro stile Mississippi. Le tracce rock su questo disco sono stati cavalli di battaglia della band nei loro live, ma effettivamente il lato folk dell’opera, seppur contenente composizioni di alto livello, risulta un filo meno memorabile. 

L’edizione deluxe

Concludiamo la nostra recensione scrivendo di questa edizione Deluxe con doppio CD e vinile, sui quali è stato fatto un ottimo lavoro di rimasterizzazione. Il suono del vinile in particolare soddisfa pienamente, con un sound più moderno e pieno che però non snatura l’essenza dei suoni tipici della band e del rock degli anni ‘70 in generale. L’unico neo sta nel prezzo davvero troppo alto che neanche la presenza del libro e dei memorabilia può giustificare. 

Uno dei brani più movimentati e allegri dei Queen che mette subito il buonumore, infondendo una grande carica. Qui di seguito trovate il testo di Don’t Stop Me Now e qualche interessante curiosità. 

Tonight I’m gonna have myself a real good time

I feel alive and the world I’ll turn it inside out – yeah

And floating around in ecstasy

So don’t stop me now don’t stop me

‘Cause I’m having a good time having a good time

I’m a shooting star leaping through the sky

Like a tiger defying the laws of gravity

I’m a racing car passing by like Lady Godiva

I’m gonna go go goThere’s no stopping me

I’m burnin’ through the sky yeah

Two hundred degrees

That’s why they call me Mister Fahrenheit

I’m trav’ling at the speed of light

I wanna make a supersonic man out of you

Don’t stop me now I’m having such a good time

I’m having a ball

Don’t stop me now

If you wanna have a good time just give me a call

Don’t stop me now (‘Cause I’m having a good time)

Don’t stop me now (Yes I’m havin’ a good time)

I don’t want to stop at all

Yeah, I’m a rocket ship on my way to Mars

On a collision course

I am a satellite I’m out of control

I am a sex machine ready to reloadLike an atom bomb about to

Oh oh oh oh oh explode

I’m burnin’ through the sky yeah

Two hundred degrees

That’s why they call me Mister Fahrenheit

I’m trav’ling at the speed of light

I wanna make a supersonic woman of you

Don’t stop me don’t stop me

Don’t stop me hey hey hey

Don’t stop me don’t stop me

Ooh ooh ooh, I like it

Don’t stop me don’t stop me

Have a good time good time

Don’t stop me don’t stop me ah

Oh yeah

Alright

Oh, I’m burnin’ through the sky yeah

Two hundred degrees

That’s why they call me Mister Fahrenheit

I’m trav’ling at the speed of light

I wanna make a supersonic man out of you

Don’t stop me now I’m having such a good time

I’m having a ball

Don’t stop me now

If you wanna have a good time (wooh)

Just give me a call (alright)

Don’t stop me now (’cause I’m having a good time – yeah yeah)

Don’t stop me now (yes I’m havin’ a good time)

I don’t want to stop at all

La da da da daah
Da da da haa
Ha da da ha ha haaa
Ha da daa ha da da aaa
Ooh ooh ooh

Contenuta nell’album dei Queen Jazz uscito nel 1978, Don’t Stop Me Now è una delle canzoni più movimentate della band, dove Freddie Mercury si scatena in un testo decisamente liberatorio. Il brano è stato scritto proprio dal frontman della band e pubblicato anche come singolo nel 1979. 

La canzone è un ottimo connubio tra il rock’n’roll di stampo più classico e il pop, con un accompagnamento ritmico gestito dal basso di John Deacon e dalla batteria di Roger Taylor, sul quale si snodano note di pianoforte e la voce magnetica di Freddie Mercury. Non mancano le armonizzazioni vocali tipiche dei Queen, registrate su più tracce per il ritornello. Don’t Stop Me Now dei Queen è probabilmente uno dei brani più conosciuti in assoluto, nonché tra i più utilizzati in film, serie TV e pubblicità. Il motivo è da ricercare proprio nella struttura immediata del brano, costituito da una forma canzone facilmente memorizzabile, ma non banale. 

Il testo è un inno alla libertà, Freddie Mercury si vuole scatenare e magari vivere apertamente la sua omosessualità, dichiarata nel 1976. Una vera e propria celebrazione dell’edonismo e della gioia di vivere senza alcun limite che in realtà risuona con qualsiasi tipo di persona. Tutti d’altronde possiamo passare dei momenti nei quali desideriamo ardentemente fare ciò che più ci piace, senza che nessuno possa fermarci. Forse Mercury nel testo si rivolge proprio alla band, infatti ogni tanto Brian May, Roger Taylor e John Deacon cercavano un po’ di frenarlo, magari per evitare che facesse qualche ‘mattata’ negli incontri importanti della band. Lo stesso Brian May ammise di non gradire particolarmente ne la canzone ne il testo, perché esaltava troppo l’edonismo esagerato di Freddie Mercury, con il quale non si era mai trovato proprio a suo agio. 

I brani di Jazz dei Queen sono molto variegati, basta pensare a Fat Bottomed Girls, una sorta di brano southern rock che sembra uscito dritto da un disco degli Allman Brothers. Anche il brano Bicycle Race dal carattere quasi ‘progressive’ si rivela un allegro esperimento di Mercury, molto complesso, ma allo stesso tempo orecchiabile. Fun it vede invece lo zampino di Taylor che oltre alla batteria diventa cantante su questo brano funk che anticipa la più famosa Another One Bites The Dust scritta da Deacon. 

All’uscita Jazz incontrò pareri positivi e negativi da parte della critica e del pubblico, alcuni infatti lo ritennero quasi ‘commerciale’, un lavoro poco ispirato e addirittura monotono. Chiaramente alla fine degli anni ‘70 la scena musicale inglese era piena di band che si cimentavano in diversi generi, alcuni ancora in procinto di ‘nascere’ come l’heavy metal. Non sorprende quindi che Jazz sia stato rivalutato più positivamente nel corso degli anni (anche perché la musica ‘commerciale’ è decisamente peggiorata) e tuttora rimane uno dei dischi più piacevoli dei Queen.

Uno dei brani più famosi della produzione musicale del quartetto di Liverpool, Let it Be è una canzone di speranza scritta da Paul McCartney. 

When I find myself in times of trouble, Mother Mary comes to me

Speaking words of wisdom, let it be

And in my hour of darkness she is standing right in front of me

Speaking words of wisdom, let it be

Let it be, let it be, let it be, let it be

Whisper words of wisdom, let it be

And when the broken hearted people living in the world agree

There will be an answer, let it be

For though they may be parted, there is still a chance that they will see

There will be an answer, let it be

Let it be, let it be, let it be, let it be

There will be an answer, let it be

Let it be, let it be, let it be, let it be

Whisper words of wisdom, let it be

Let it be, let it be, let it be, let it be

Whisper words of wisdom, let it be, be

And when the night is cloudy there is still a light that shines on me

Shinin’ until tomorrow, let it be

I wake up to the sound of music, Mother Mary comes to me

Speaking words of wisdom, let it be

And let it be, let it be, let it be, let it be

Whisper words of wisdom, let it be

And let it be, let it be, let it be, let it be

Whisper words of wisdom, let it be

Let it be è uno degli album dei Beatles più amati dagli appassionati che segna un momento particolarmente difficile per la band che si scioglierà proprio nell’anno di uscita dell’omonimo singolo. I momenti di tensione all’interno della formazione erano all’ordine del giorno, con John Lennon che si mostrava già molto stanco del lavoro compositivo e che era continuamente accompagnato dalla moglie Yoko Ono, anche in studio. Gli altri membri della band non gradivano troppo questa presenza esterna alla band, almeno non nei momenti dove si lavorava su un nuovo brano o si prendevano decisioni importanti. Allo stesso modo, il chitarrista George Harrison si sentiva tagliato fuori dalla composizione dei brani, spesso affidata al duo Lennon-McCartney e voleva prendersi un po’ di spazio in più. La tensione accumulata in sala prove e in studio si riversava anche sul batterista Ringo Starr e ovviamente sugli stessi Lennon e McCartney che cominciavano a sentire le fondamenta dei Beatles. sgretolarsi lentamente.

Quando quattro menti unite cominciano a formare pensieri individuali troppo marcati per la composizione dei brani e la gestione della band, solitamente i campanelli di allarme cominciano a suonare. I Beatles alla fine degli anni ‘60 erano all’apice del loro successo, ma nessuno sembrava voler mettersi al lavoro per scrivere un nuovo disco, per questo McCartney prese le redini del progetto e cominciò a scrivere la maggior parte delle canzoni. Gli altri membri, seppur poco motivati, non gradirono questa scelta o perlomeno la usarono come pretesto per far crescere ulteriori tensioni all’interno della band. 

Le cose sarebbero finite da lì a poco, Paul McCartney dichiarerà in seguito che la situazione interna della band era diventata insopportabile e che era un grosso problema emotivo per lui. D’altronde sotto il rock, le chitarre e il divertimento, la musica a livello professionale è comunque un lavoro e un lavoro prevede un certo ammontare di stress e di responsabilità. 

Fu così che nacque Let it Be, un brano dove ci si augura di poter andare avanti e di trovare finalmente una risposta nei momenti più difficili. Il testo di Let it Be è quasi una preghiera ed infatti John Lennon lo definì tale, arrivando a detestarlo. Il motivo era anche lo stile della composizione che il chitarrista trovò decisamente banale, troppo simile ad un brano da chiesa e poco incisivo. 

Nonostante questo Let it be fu un successo, probabilmente proprio per la sua semplicità e sincerità. Nel testo troviamo la figura di Mother Mary (Madre Maria), in quanto Paul McCartney aveva sognato sua madre Mary, morta di cancro quando il musicista aveva 14 anni. Fu proprio il sogno a ispirarlo, in quanto proprio la madre gli consigliava di lasciar correre (la traduzione di let it be in italiano) e che tutto si sarebbe risolto. La traduzione di wisdom invece è saggezza. Potete trovare la versione italiana di Let it Be usando il traduttore ing ita e inserendo il testo della canzone.

La musica dei Pink Floyd è entrata nella storia, così come i musicisti che l’hanno composta. La band inoltre ci ha regalato bellissime canzoni dedicate all’amore e all’amicizia.

L’amore è sempre stato legato alla musica e noi italiani lo sappiamo bene, visto che il 99% delle produzioni italiane in ambito ‘pop’ hanno la parola amore nel titolo e ovviamente nel testo. Sebbene spesso le canzoni d’amore possono sembrare un po’ banali, in quanto le soluzioni liriche e musicali tendono a ripetersi, questo sentimento è stato ispirazione anche di band del calibro dei Pink Floyd. Certo, la band britannica si è sempre voluta distinguere a livello artistico dal pop\rock inglese, cercando il connubio tra il rock psichedelico e il progressive, due generi che difficilmente si orientano su soluzioni semplici.  

Ed in effetti sono davvero poche le canzoni dei Pink Floyd che parlano d’amore, almeno per come vengono intese a livello ‘mainstream’, ovvero con l’interprete che si strugge per un amore perduto. Diciamo che le produzioni più ‘sentimentali’ dei Pink Floyd si concentrano più sull’amicizia. Bisogna ricordare infatti che la band ha vissuto la separazione dal compositore Syd Barrett dovuta ad un crollo psicologico. A Barrett la band ha dedicato diverse canzoni, ma diciamo che in generale hanno sempre preferito scrivere di altro, basta pensare alla canzone Money o Careful with that axe Eugene e anche la bellissima canzone Breathe.

Vediamo quindi quali sono le canzoni d’amore e sull’amicizia che Gilmour, Mason, Wright e Waters hanno scritto.

Wish you were here

Tratto dall’omonimo album dei Pink Floyd, Wish you Were Here può essere considerata una canzone d’amore, sebbene questo sentimento venga menzionato solo nell’ultima strofa. Pink Floyd e canzoni d’amore difficilmente vanno a braccetto, ma la dolcezza della composizione, costruita su un giro di accordi acustici e su brevi assoli passionali può indurre a pensare che si tratti di un brano dedicato a questo sentimento. Questo non è totalmente sbagliato, sebbene in realtà Wish you were here sia stata scritta per Syd Barrett, infatti esprime un sentimento di amicizia nostalgico. Wish you were here è una delle canzoni più celebri dei Pink Floyd, non a caso una miriade di artisti e band ne hanno realizzato delle cover. 

The Nile Song

A sentire il brano non si penserebbe mai che si tratti di una canzone d’amore e in effetti non la si può proprio considerare tale. Inserita nella colonna sonora curata dai Pink Floyd del film More di Barbet Schroeder, The Nile Song sembra quasi un brano uscito da una collaborazione tra i Black Sabbath e i King Crimson (sebbene entrambe le band si sono formate proprio nel 1969, anno di uscita del film). L’incedere violento della batteria e le chitarre ultradistorte vengono accompagnate dalla voce aggressiva del solitamente calmo e posato David Gilmour. Il brano narra di uno ‘stalker’ che segue una bellissima donna sulle rive del Nilo ed è stato inoltre oggetto di cover da parte di diversi gruppi heavy metal, come ad esempio i canadesi Voivod (autori anche di una bellissima cover di Astronomy Domine)

Shine on you Crazy Diamond 

Sempre presente in Wish You Were Here, questa canzone è un’altra dedica a Syd Barrett, cosa che dimostra quanto la band abbia sofferto per la separazione e forse ne sia stata anche un po’ frastornata. Dopo la separazione con Barrett e il conseguente ingresso di Gilmour in formazione, i Pink Floyd raggiungono il successo internazionale, probabilmente sentendosi un po’ in ‘colpa’ per l’aver lasciato Barrett indietro. Ma come in tutte le band, difficilmente i fan possono conoscerne le dinamiche interne, quindi non possiamo effettivamente sapere come siano andate davvero le cose. Fatto sta che Shine on You Crazy Diamond è un brano magistrale e una dedica bellissima, sincera e sentita all’amico. 

If

Roger Waters probabilmente è il membro dei Pink Floyd che più ha dovuto fare i conti con la separazione da Syd Barrett. A quanto pare infatti fu proprio Waters a dare il benservito a Barrett che dopo il disco The piper at the gates of dawn aveva cominciato a diventare ingestibile. In If infatti Waters canta con voce struggente su un arpeggio di chitarra, chiedendosi come sarebbe stata la sua vita e quella del gruppo se le cose con Barrett fossero andate diversamente. I Pink Floyd nei testi non sono mai stati molto diretti o espliciti, ma in questo caso Barrett vuole essere assolutamente chiaro nel dichiarare il suo senso di colpa. If è un brano sincero e toccante, inserito nel bellissimo disco Atom Heart Mother, considerato da molti il capolavoro prog\psichedelico della band. 

Don’t leave me now

Il disco The Wall è un’opera capace di colpire come un pugno allo stomaco, sia per quanto riguarda il concept sia per la musica. Non è un caso infatti che il disco sia interamente cantato da Roger Waters, molto più caustico e diretto al microfono rispetto al tranquillizzante e avvolgente David Gilmour. Waters si sostituisce come cantante dei Pink Floyd in questo disco che narra la vita di Pink nelle canzoni. Pink è il protagonista del concept che in If implora alla sua amata di non lasciarlo. Basta ascoltare il brano per rendersi conto di non poterlo assolutamente dedicare alla propria amata, in quanto si tratta di una composizione angosciante caratterizzata dalla voce straziante di Waters e da effetti sonori accompagnati da pochi accordi di pianoforte. Nell’ultimo minuto finalmente arriva la batteria e la chitarra, come se il protagonista avesse perso le speranze e sia stato avvolto dalla consapevolezza di dover perdere il suo amore.

Scopriamo insieme quali sono stati alcuni dei più migliori chitarristi della storia nella nostra breve classifica.    

Jimi Hendrix

Quando si pensa alla chitarra elettrica, il primo nome che viene in mente è quello di Jimi Hendrix. Qualcuno potrebbe giustamente dire che tecnicamente non era al livello di altri colleghi, ma il suo tocco unico e il suo stile inimitabile lo rendono un musicista eccezionale, oltre che un compositore di grande gusto. Il suo rock\blues psichedelico è entrato nella storia, con suoni distorti e la sua voce profonda che lo hanno sempre contraddistinto. Jimi Hendrix non suonava la chitarra… la chitarra era un ponte tra il suo spirito e il mondo esterno. 

Eddie Van Halen

Recentemente scomparso, Eddie Van Halen è stato uno dei chitarristi più famosi e più amati del hard rock ed heavy metal. Il disco di esordio della sua band Van Halen sembra ancora oggi provenire dallo spazio per la carica, i suoni e le composizioni. Eddie è un funambolo della chitarra, ma i suoi virtuosismi non sono mai fini a loro stessi: ogni nota ha dentro la sua anima vulcanica, anche negli assoli più veloci si sente tutta l’essenza del musicista dietro lo strumento. Con il suo tapping ha aperto la strada a tantissimi altri chitarristi, dando il via al fenomeno dei Guitar Heroes come gli altrettanto bravi Joe Satriani e Steve Vai.

Jimmy Page

I Led Zeppelin sono una band a dir poco leggendaria e il chitarrista Jimmy Page con i suoi riff ha contribuito ad ‘inventare’ un certo modo di suonare la chitarra. Probabilmente ascoltandoli adesso i Led Zeppelin potrebbero non sembrare così innovativi, ma negli anni in cui esordirono non c’erano altre band capaci di interpretare il rock e il blues alla loro maniera. Indurendo i suoni, rendendo più granitici i giri di chitarra e usando distorsioni elevate sugli assoli, il Jimmy fra i grandi del rock ha dato inizio alle sonorità hard rock ed heavy metal. 

Stevie Ray Vaughan

Non si sente parlare spesso di Stevie Ray Vaughan, probabilmente perché il blues come genere è stato un po’ dimenticato. Eppure SRV è stato uno dei più grandi chitarristi del genere e forse uno dei suoi ultimi più grandi interpreti. Capace di unire il blues elettrico di Albert King e Muddy Waters con il country di stampo texano, SRV con la sua band Double Trouble ha creato brani memorabili, spesso mettendo in mostra le sue incredibili doti tecniche. Scuttle Buttin’ è il suo marchio di fabbrica, sebbene Stevie Ray Vaughan fosse capace anche di interpretare il blues più lento con un feeling davvero unico.

Mark Knopfler

Gli album dei Dire Straits sono considerati dei capolavori del rock, sebbene la band ha dovuto fare spesso i conti con la scena britannica in continuo cambiamento e che si stava distanziando dalle sonorità classiche per spostarsi verso il punk e la new wave. I Dire Straits riuscirono a conquistare i fan grazie alle doti strumentali e compositive della band, specialmente di Mark Knopfler, un musicista dotato di un tocco e di un gusto davvero incredibili. A differenza di altri chitarristi moderni, Knopfler preferisce il finger style, una tecnica molto comune nel jazz e nel gypsy jazz, ma poco usata nel rock. Il risultato sono assoli memorabili dove la tecnica viene messa al servizio della musica. 

Yngwie Malmsteen

Yngwie Malmsteen è uno di quegli artisti per i quali molti fan (e colleghi) provano una sorta di amore\odio. L’amore deriva dalla sua incredibile tecnica strumentale e dal fatto che ha contribuito alla creazione dello stile ‘neoclassico’ per riffing e assoli, in seguito portato avanti da chitarristi come Criss Oliva dei Savatage e Michael Romeo dei Symphony X. L’odio invece è per il suo personaggio, incredibilmente antipatico a detta di molti addetti ai lavori e degli appassionati. A difesa del virtuoso svedese c’è da dire che sullo strumento in quanto a velocità e pulizia ha ben pochi rivali, d’altronde lui stesso si ritiene il miglior chitarrista al mondo vivente.

John Petrucci

I Dream Theater sono stati una delle ultime band metal a riscuotere un successo planetario nell’epoca pre-social, quando ancora nessuna sapeva cosa doveva essere Youtube. Sebbene nel corso degli anni abbiano perso un po’ di smalto, perdendosi spesso dietro il virtuosismo sfrenato, i Dream Theater sono riusciti a creare un loro stile personale prendendo spunto dai grandi gruppi progressive della scena britannica, fondendo le complicate composizioni e i tempi con le sonorità metal. Il chitarrista John Petrucci colpisce con la precisione chirurgica con la quale riesce a eseguire riff e assoli, cosa che lo ha portato nell’Olimpo dei chitarristi metal e hard rock. Per molti infatti John Petrucci detiene ancora il titolo di miglior chitarrista heavy metal.

Robert Johnson

Robert Johnson è stato un chitarrista blues, famoso non solo per i suoi pochissimi, ma importantissimi brani incisi, ma anche per la sua incredibile leggenda. Si narra infatti che Johnson fosse un pessimo chitarrista e avesse una voce poco convincente, al punto che nessun locale voleva farlo suonare. Il musicista, deluso dai continui rifiuti, incontrò il Diavolo ad un crocevia nel Mississippi e gli offrì la sua anima in cambio delle abilità sulla chitarra e quelle canore. Che fosse stato un patto con Lucifero in persona o un po’ di sana pratica e allenamento, Johnson diventò un chitarrista incredibile, capace di suonare un blues virtuoso e cantare con grande disinvoltura, creando brani che sono entrati nella storia ed ispirando altri artisti come Jimi Hendrix.

Tony Iommi

Non tutti i più grandi chitarristi del mondo sono necessariamente dei virtuosi delle sei corde. Tony Iommi, chitarrista dei Black Sabbath, ne è la dimostrazione. Con i suoi riff granitici tra il metal e il blues, Iommi ha dato inizio al genere Doom Metal e allo Stoner Rock, convincendo le masse anche con i suoi assoli ipnotici. Da lodare anche la sua capacità camaleontica di adattarsi alle nuove sonorità, passando dall’hard rock più esoterico al heavy metal di stampo anni ‘80. Nella nostra classifica dei chitarristi non poteva quindi mancare uno dei padri del genere.

Dimebag Darrell

Darrell Lance Abbott detto ‘Dimebag’ è stato il chitarrista dei Pantera, band glam metal in seguito trasformata in uno dei più grandi fenomeni del genere. Dimebag ha reinventato il modo di suonare la musica thrash della Bay Area resa famosa da Metallica, Megadeth ed Exodus, tramite l’utilizzo di riff stoppati,  intervallati da altri più lenti e massicci. Il suo stile unico di chitarra ha poi ispirato tutto il filone nu metal degli anni 90 e anche gruppi più sperimentali come i Meshuggah e i Fear Factory. Anche come solista Dimebag ha detto la sua: assoli di una potenza incredibile, con una plettrata alternata da fare invidia anche ai più grandi virtuosi.