Non c’è niente di meglio che un po’ di musica movimentata per tirarsi un po’ su, specialmente in questi tempi poco felici. 

In questi ultimi mesi spesso e (mal)volentieri siamo stati costretti in casa, cosa che può portare facilmente ad abbattersi, specialmente nel week end quando si vorrebbe uscire e godersi la primavera. In qualche modo però bisogna tirarsi su, distraendosi con un bel film, i videogame, un po’ di sport o magari qualche gioco di società per tutta la famiglia. In realtà anche la musica ha effetti terapeutici non indifferenti, specialmente quella dei generi più ‘carichi’ come il rock, l’hard rock, il metal e il rap. 

Quando vi sentite giù di morale, ascoltare un po’ di musica motivazionale può farvi svoltare la giornata, rimettendovi sui binari della positività. Allo stesso modo, una buona musica per allenamento è un ottimo modo per tenervi in forma stando in casa, soprattutto se prima del Covid eravate abituati ad ascoltare musica in palestra. 

Vediamo quali sono le canzoni che danno la carica più ascoltate. 

AC\DC – T.N.T.

Cosa c’è di più esplosivo della dinamite? Semplice: gli AC\DC! I terribili australiani sono praticamente sinonimo di Hard Rock e qualsiasi loro brano andrebbe bene per farvi risorgere. Il brano T.N.T. è pura dinamite: l’incedere della batteria sotto un riff di chitarra granitico tipico della band, la voce inimitabile del compianto Bon Scott e l’assolo della Gibson Diavoletto di Angus Young. Una delle canzoni che caricano più di una dose intensa di caffè, da ascoltare nei momenti grigi per sentirsi invincibili.

Judas Priest – Painkiller

Se qualcuno dovesse chiedervi cos’è l’Heavy Metal, potete rispondere con questo brano degli inglesi Judas Priest, capitanati dall’esplosivo singer Rob Halford. Autori di musica adrenalinica nel 1990 “svoltano” con un disco carico di metallo fuso, che si apre proprio con la title track: Painkiller. Doppia cassa, riff di chitarra al fulmicotone e la voce di Rob Halford che graffia le note come una tigre lasciano poi spazio agli assoli incredibili di Glenn Tipton e K.K. Downing. Un capolavoro del genere che vi farà superare anche il peggior lunedì o week end di lockdown. 

Survivor – Eye of the Tiger

Scrivendo di musica che carica, non potevamo proprio tenere fuori dalle nostre proposte il brano ‘sportivo’ per eccellenza. Da colonna sonora di Rocky III che accompagna le il pugile italoamericano nella sua sfida contro il terribile Clubber Lang (interpretato da Mr.T), Eye of The Tiger è diventata praticamente l’emblema della musica motivazionale per lo sport. D’altronde chi di noi non si è mai sentito un po’ Rocky durante gli allenamenti?
Puro rock anni ‘80, con riff che ricordano i Deep Purple e l’indimenticabile ritornello che ormai conoscono anche i sassi. 

Europe – The Final Countdown

Rimanendo sempre nei gloriosi anni ‘80, la band hard rock svedese Europe si fa conoscere con la hit ‘The Final Countdown’ che unisce il sound quasi ‘epico’ delle tastiere ai riff tipici del genere, con tanto di assolo virtuoso. Il giro di tastiera e il ritornello sono entrati nella testa di qualsiasi amante del rock che li ha accettati volentieri o malvolentieri. Ottima musica per fitness, tra l’altro gli Europe hanno deliziato i loro fan con dei simpatici video realizzati durante il lockdown, un buon modo per passare qualche minuto in compagnia della band. 

Pantera – A New Level 

Sfociando su territori decisamente più duri, se cercate musica che carica e non temete il suono dirompente del thrash metal, allora questo brano dei Pantera vi potrà portare su ‘un altro livello’. Sezione ritmica nelle sapienti mani di Vinnie Paul e Rex che accompagna la chitarra del compianto e geniale Dimebag Darrell, il tutto contornato dalla carica inconfondibile della voce di Phil Anselmo. La traccia apre il disco ‘Vulgar Display of Power’ ed è una vera mazzata che vi farà riprendere, con un ritornello trascinato dal riff cadenzato dal suono di un arieggiatore elettrico. Album rivoluzionario, brano di grande carica. 

Queen – Don’t Stop Me Now 

Dopo essere stati un po’ strattonati dai Pantera, passiamo a un brano più leggero, ma non per questo meno carico! La musica adrenalinica d’altronde non è fatta solo di chitarre distorte e doppia cassa, lo dimostrano bene i Queen con Don’t Stop Me Now, una canzone che vi farà volare grazie al suo ritmo coinvolgente e l’incredibile performance vocale di Freddie Mercury, assolutamente scatenato in questo brano. La traccia si trova sull’album dei Queen chiamato Jazz, pubblicato nel 1978, disco che al tempo divise le opinioni della critica, tra chi lo considerava un volgare esperimento e chi invece un’opera riuscita e divertente. 

Metallica – Battery

Il disco Master of Puppets è considerato da molti uno dei capolavori assoluti dell’Heavy Metal. I Metallica qui si allontanano leggermente dagli esordi thrash di Kill’em All e Ride The Lightning per creare un disco variegato, con composizioni fresche divise tra l’aggressività tipica della Bay Area e sonorità più ragionate. L’opener Battery appartiene alla prima categoria e dopo la breve introduzione di chitarra acustica, esplode in un tripudio di adrenalina, con UIrich che picchia le pelli come un dannato e le chitarre che danno vita ad un riff incalzante. Un brano con il quale scuotere la testa dall’inizio alla fine e scaricare tutta la negatività in un solo colpo. 

Beastie Boys – Sabotage

Direttamente da New York, i Beastie Boys sono stati uno dei primi gruppi a fondere le sonorità punk e metal con il rap, contribuendo a dare vita al genere crossover. Il brano Sabotage è una vera bomba, se avete visto l’ultima edizione di X-Factor probabilmente vi ricorderete dell’ottima cover del talentuoso duo Little Pieces of Marmelade. Con Sabotage ci si muove, ottima sia per darsi la carica durante un allenamento, sia per sfogarsi un po’ quando ci si sente giù. 

Principale vantaggio

Dark Side of The Moon è stato il disco che ha portato il prog rock nel circuito della musica ‘mainstream’, contribuendo ad accrescere il già notevole successo della band britannica. Questo album dei Pink Floyd viene considerato da molti un vero capolavoro e a ben vedere: dieci tracce una più bella dell’altra tra le quali troviamo le bellissime Breathe, The Great Gig in The Sky, Money e Time. Questo è un disco leggendario da avere nella vostra collezione, se siete appassionati dei Pink Floyd e del prog rock, ma anche se amate la musica in generale. 

Principale svantaggio

La produzione del veterano Alan Parsons diede al disco il suono profondo, pulito e allo stesso umano. La rimasterizzazione effettuata per questa edizione non rende giustizia al lavoro di Parsons, specialmente su vinile dove si può sentire un leggero rumore di sottofondo. Nulla che rovini l’esperienza di ascolto, ma probabilmente si poteva sperare in un remaster curato con più attenzione. Diciamo che se conoscete molto bene l’opera e siete abituati al suono del vinile originale, potreste rimanere un po’ delusi. 

Verdetto: 9.8/10

The Dark Side of The Moon è un disco imperdibile sia se vi state avvicinando ai Pink Floyd, sia se avete una vecchia edizione. Questo capolavoro racchiude l’essenza della band inglese, grazie alle composizioni di musicisti di altissimo livello come David Gilmour, Richard Wright e Roger Waters. Un vero e proprio viaggio durante il quale verrete accompagnati da un caleidoscopio di note, melodie e trovate geniali che ancora oggi restano ineguagliabili. Il nostro verdetto quindi è assolutamente positivo, sebbene non diamo il punteggio pieno al remaster proprio perché riteniamo si potesse fare un lavoro migliore. 

DESCRIZIONE CARATTERISTICHE PRINCIPALI

Un album leggendario

Nel 1973 i Pink Floyd godevano già di grande fama nel panorama musicale mondiale, grazie al loro prog rock raffinato, ma allo stesso tempo ‘accessibile’ che li aveva distinti da band dal carattere più ‘tecnico’ come quelle della scena di Canterbury. Con The Dark Side Of The Moon, la band si concede un ennesima virata, inserendo le sonorità psichedeliche in una forma canzone facilmente identificabile, senza ovviamente snaturare il carattere dell’opera. 

Registrato agli Abbey Road Studios di Londra con il mitico Alan Parsons dietro il mixer, The Dark Side of The Moon è un ‘concept album’ che affronta temi come la morte, il denaro, il tempo e la vastità della mente umana. Un vero e proprio viaggio musicale che vi trasporterà in un universo onirico, con tracce cariche di emotività tra la voce calda dei musicisti, le atmosfere psichedeliche e gli assoli appassionati di David Gilmour.

Le tracce 

Quando si parla di un disco come The Dark Side of The Moon è difficile ‘estrapolare’ delle tracce per trovare quelle più memorabili. L’opera va ascoltata nella sua interezza, in quanto le tracce sono perfettamente collegate tra di loro e portate avanti da un preciso filo conduttore. Per questo vi consigliamo di inserire il disco nel lettore, premere play e lasciarvi trasportare. 

Le bellissime Time e Breathe colpiscono con melodie sognanti, tipiche dei Pink Floyd di quel periodo, dove David Gilmour aveva portato nelle composizioni il suo stile chitarristico caratterizzato da lenti vibrati e bending capaci di rapire il cuore dell’ascoltatore. La carica emotiva di The Great Gig in The Sky lascia spazio a Money un brano di stampo più ‘rock’ per poi tornare alla psichedelia dai toni epici di Us and Them, dove troviamo tinte jazz grazie al sassofono. Con Any Colour You Like i Pink Floyd tornano un po’ alle origini, con un prog rock coinvolgente. Il brano si conclude con le splendide Brain Damage ed Eclipse.  

Produzione 

Il disco fu prodotto agli Abbey Road Studios con l’aiuto del tecnico Alan Parsons che aveva già lavorato con la band per realizzare Atom Heart Mother. Parsons, come molti altri tecnici e musicisti che avevano contribuito alla realizzazione del disco, si disse in seguito poco felice del trattamento da parte della band: lui e tanti altri (come la cantante di The Great Gig in The Sky) vennero sottopagati e non videro una sterlina dal successo planetario del disco. 

Dissapori a parte, la produzione di The Dark Side of The Moon è un vero gioiello di tecnica sonora che in questo remaster curato da James Guthrie (co-produttore di The Wall) viene riproposto con un missaggio più moderno. Il risultato è abbastanza gradevole, sebbene non sia paragonabile alla qualità del vinile originale.

Principale vantaggio

L’album dei Pink Floyd che ha dato inizio alla loro incredibile carriera, The Piper at The Gates of Dawn viene ancora considerato uno dei lavori prog\psychedelic rock più belli mai realizzati. La formazione originale che vede Syd Barrett alla chitarra, realizza un disco che è una vera e propria valanga di suoni, un progetto innovativo che ha contribuito ad influenzare diverse band progressive e psichedeliche negli anni successivi. Nonostante sia un filo ‘acerbo’ e ancora legato ad alcuni stilemi della scena rock e prog rock britannica, il disco è un vero capolavoro, con tracce spaziali come Astronomy Divine, il rock più classico di Lucifer Sam, la follia di Take Up Thy Stethoscope and Walk e l’esplosione caleidoscopica di Interstellar Overdrive. 

Principale svantaggio

Difficile trovare un difetto in questo disco dei Pink Floyd. Se però vi siete avvicinati da poco alla loro discografia perché attratti dai loro album più conosciuti, allora preparatevi a sentire una band molto diversa da quella che conoscete. Dimenticate le sonorità oniriche e quasi soavi proposte dalla formazione con David Gilmour, con Syd Barrett si viaggia su toni più distorti e tesi. I giri di chitarra e gli stessi assoli sono decisamente più ‘schizzati’, mentre l’atmosfera generale del disco non è per niente rassicurante, anche nei brani più ‘leggeri’ come The Gnome. 

Verdetto: 9.7/10

Se siete dei fan dei Pink Floyd e del rock psichedelico o progressive, non potete proprio farvi sfuggire questo incredibile album. Chiaramente siamo ben lontani dalle sonorità che hanno portato i Pink Floyd al successo, ma ci troviamo comunque davanti ad un disco di livello altissimo, specialmente per un debutto. Un lavoro importante per capire l’evoluzione della band ed apprezzare l’abilità compositiva del compianto Syd Barrett. Il nostro verdetto è positivo, sebbene ci riserviamo di non dargli un punteggio pieno proprio per alcuni parti un po’ troppo ‘acerbe’. 

DESCRIZIONE CARATTERISTICHE PRINCIPALI 

Un debutto con i fiocchi

Alla fine degli anni ‘60, la musica inglese aveva praticamente conquistato il mondo, non a caso si parla della ‘British Invasion’ per indicare quel particolare periodo storico caratterizzato da band rock composte da giovani musicisti. Tra queste ovviamente figuravano i già famosi The Beatles e i The Kinks. In Inghilterra però i musicisti stavano subendo il fascino del jazz e della fusion, delle jam session e della mescolanza tra i suoni al fine di creare atmosfere volutamente confuse e caotiche. 

Per questo nel Regno Unito iniziano a formarsi le prime band ‘prototipo’ dei generi come il rock progressive e psichedelico, in particolare nella zona di Canterbury. I Pink Floyd capitanati da Syd Barrett registrano il loro debutto nel 1967, con influenze che vanno dalle tipiche rock band inglesi, per poi sfociare nella totale psichedelia. 

Le tracce

The Piper at the gates of dawn è l’unico disco dei Pink Floyd interamente composto da Syd Barrett, in quanto già l’anno successivo il musicista cominciò ad abbandonarsi all’uso di droghe, lasciando il ruolo di chitarrista al ben più lucido David Gilmour. Lo stile dei due è decisamente diverso: se siete abituati al sound rilassato e onirico della chitarra di Gilmour, preparatevi perché quello di Barrett è completamente diverso. 

Il disco si apre con Astronomy Divine, un brano apprezzato anche da band di altri generi musicali (famosa la cover della band metal Voivod) per le sue variazioni e per il tema ‘spaziale’. Si va sul rock più classico di Lucifer Sam e Matilda Mother, due brani che potrebbero far venire in mente i The Beatles, ma sotto effetto di acidi. 

Le prime sei tracce (sono dodici in tutto) chiudono il lato A del vinile con la folle Take Up Thy Stethoscope and Walk, per poi ripartire con un brano nel quale si potrebbe riassumere il concetto di rock psichedelico: Interstellar Overdrive. The Gnome invece si attesta su tonalità più leggere, con una chitarra acustica e la voce di Barrett che comunque tiene alta la tensione, con atmosfere sinistre che stridono con il testo spensierato del bran. 

Il remaster

Concludiamo la nostra recensione parlando del remaster a cura di James Guthrie, co-produttore del disco The Wall. In generale Guthrie ha fatto un buon lavoro nel riproporre la discografia dei Pink Floyd, con una masterizzazione digitale che conferisce al suono un carattere un filo più in linea con le produzioni moderne, senza però snaturarne l’essenza. Chiaramente gli LP originali sono qualitativamente superiori, in quanto più fedeli al suono tipico degli anni 60/70. Ottimo il packaging con booklet creato dall’art director Storm Thorgerson. 

Principale vantaggio

Dopo i primi quattro dischi ‘numerati’, Physical Graffiti è probabilmente uno degli album dei Led Zeppelin più amati dai fan, forse anche più del precedente Houses of The Holy. Qui il quartetto inglese continua a mostrare una certa maturità, allontanandosi dal rock più sfrenato degli esordi per provare soluzioni più melodiche, senza però mai mollare la vena blues che li contraddistingue. Sono comunque ben lontane le soluzioni troppo ‘prog’ del precedente disco che lasciano spazio al ritmo e a tracce più dirette. Un disco da avere, specialmente se state collezionando l’intera discografia della band. 

Principale svantaggio

Si tratta di un disco di ben 82 minuti, una lunghezza a dir poco spiazzante e che solitamente rende difficile l’assimilazione di un disco. Diciamo che nonostante la bravura della band, all’interno di Physical Graffiti troviamo delle tracce poco memorabili (i cosiddetti ‘filler’), non tanto perché mal composte o suonate, quanto perché spesso tendono a perdersi nel minutaggio eccessivo. Questo album non è proprio l’ideale per avvicinarsi ai Led Zeppelin, infatti è meglio arrivarci dopo aver ascoltato i primi lavori. 

Verdetto: 9.5/10

Molte band all’apice del successo sono solite proporre il classico ‘discone’, ovvero quello dal minutaggio che supera 40 minuti. Il rischio ovviamente è quello di sfiancare l’ascoltatore e rendere il prodotto poco assimilabile. Physical Graffiti dei Led Zeppelin è probabilmente la loro opera magna che racchiude l’essenza rock-blues della band in maniera più ragionata, senza però abbandonarsi a lavori un po’ ‘estranei’ come successo in Houses of The Holy. Questa edizione per il quarantesimo anniversario si presenta in un cartoncino che non ne valorizza il contenuto, motivo per il quale non possiamo darle un punteggio pieno. 

DESCRIZIONE CARATTERISTICHE PRINCIPALI

Il ritorno dell’hard rock

Con Houses of The Holy i Led Zeppelin non avevano proprio riscosso un grande successo di critica: il disco si allontanava di gran lunga dall’hard rock selvaggio dei primi quattro lavori, per provare una strada prog rock e folk che si avvicinava alla scena di Canterbury, proponendo tra l’altro alcune tracce completamente ‘fuori genere’. 

Physical Graffiti è probabilmente il primo album registrato dai Led Zeppelin in un periodo di pausa, cosa che ha sicuramente giovato alla composizione delle tracce del disco. Qui si ritorna alle origini, con un hard rock di stampo chiaramente blues, dove comunque troviamo un songwriting più calmo e ragionato che riesce a mantenere compatta l’opera pur attraverso composizioni di diverso tipo. Il disco fu accolto con grande entusiasmo da pubblico e critica, finendo in cima alle classifiche britanniche e statunitensi. Per alcuni è addirittura il disco migliore mai prodotto dalla band. 

Ottanta minuti di musica

Se non avete mai ascoltato questo disco per intero, preparatevi perché la tracklist di Physical Graffiti arriva a un totale di ben 82 minuti di musica. Prima di farvi venire l’acquolina in bocca però, considerate che un minutaggio tale rende un’opera musicale abbastanza difficile da assimilare e questo discorso vale anche per l’album in questione. 

In generale le tracce sono tutte di ottimo livello, specialmente brani come il trio di apertura, Houses of The Holy e Kashmir, quest’ultima caratterizzata da uno dei riff più iconici dell’hard rock\metal, utilizzato anche dai Rage Against The Machine nel brano Wake Up. L’insieme quindi è un’esperienza assolutamente piacevole, dove si spazia dall’hard rock al blues, con inserti rock più classici e tracce folk. 

La produzione del suono è il filo conduttore che lega l’intero disco, tenendolo su sonorità coerenti senza che i brani vadano alla deriva come nel disco precedente. Inevitabile trovare qualche traccia non proprio memorabile che viene ‘schiacciata’ dalla durata del disco e che magari si potrà riscoprire dopo svariati ascolti nel tempo.

Il remaster e la confezione

Il prezzo di questo remaster lascia un po’ interdetti, in quanto non giustifica affatto il packaging a dir poco grossolano del disco, tra l’altro non specificato nella descrizione del prodotto. La custodia di carta sottile rende veramente poca giustizia ad un disco di questo calibro, inoltre non protegge il contenuto con efficacia, risultando anche poco bella da esporre in una collezione. Per quanto riguarda la rimasterizzazione delle tracce, possiamo ritenerci soddisfatti, il lavoro è stato eseguito egregiamente e aggiunge un tocco di modernità al sound, aprendolo e rendendolo più chiaro senza snaturarlo.